Fall under the spell of Gustav Klimt. The complete catalogue of his paintings, including new photographs of the Stoclet Frieze, this book follows the Viennese master through his prominent role in the Secessionist movement, his candid rendering of the female body, and the lustrous "golden phase" behind such shimmering works as The Kiss and...
Nachdem Egon Schiele (1890–1918) sich von seinem Mentor Gustav Klimt befreit hatte, blieben ihm zehn Jahre, um sich mit einer unverwechselbaren Handschrift in die Geschichte der Moderne einzuschreiben, bevor er der Spanischen Grippe zum Opfer fiel. Als früh überzeugtes Wunderkind und leidenschaftlicher Provokateur fiel ihm das nicht schwer. Seine überdehnten Figuren, drastische Sexualdarstellungen und Selbstporträts, in denen er sich zwischen Genie und Wahnsinn inszenierte, standen in starkem Kontrast zu Klimts dekorativen Hymnen an Liebe und Hingabe. Schiele war von brutaler Direktheit und provozierte damit die Wiener Gesellschaft. Obwohl seine Werke später als „entartet“ diffamiert wurden und zeitweise in Vergessenheit gerieten, beeinflussten sie Generationen von Künstlern, darunter Francis Bacon und Tracey Emin. Heute erzielen seine damals missverstandenen Werke auf dem internationalen Kunstmarkt hohe Preise. In diesem umfangreichen neuen Buch werden 221 Gemälde und 146 Zeichnungen aus dem fruchtbaren letzten Jahrzehnt seines Lebens präsentiert, die seine außergewöhnliche Entwicklung auf dem Höhepunkt seiner Karriere zeigen. Viele Werke wurden neu fotografiert, ergänzt durch Auszüge aus seinen Schriften und Essays, die seinen Einfluss im Kontext des europäischen Expressionismus beleuchten.
Gustav Klimt is the superstar of the Vienna Secession. He made a mark on the movement like no other painter. His symbolist, allegorical depictions and erotically decadent portraits of women have come to embody the fin de siècle. Discover all of Klimt's paintings as well as excellent detail shots of the famous Stoclet Frieze.
With his revolutionary and liberated view of the naked body and sexuality, Egon Schiele emphatically wrote himself into the history of art at the beginning of the last century. Even today, the women and self-portraits painted by the enfant terrible of the Viennese modern age still have an exciting and bold effect. They were all created during...
A founding member of the Royal Academy of Arts, Angelica Kauffman (1741-1807) was a star. A portrait painter, history painter, printmaker and designer known in her lifetime as one of the wealthiest bourgeois women of her era, she was called "perhaps the most cultivated woman in Europe," by the German philosopher J. G. Herder. History painting might have been the way to prestige, but it was Kauffmann's portraits that opened avenues to an international aristocratic and intellectual social world. This volume gathers approximately 150 works, and is the first publication to rigorously connect them to her personal history and to London and Rome, where she lived. Kauffmann settled permanently in Rome in 1782, and made her home a welcome meeting place for artists and writers. Goethe, a regular, called her a "woman of immense talent," and his assessment is borne out, more than 200 years later, by this study of her work.
Das Selbstportrait in der Kunst der 1. Hälfte des 20. Jahrhunderts Zu Beginn der Renaissance etablierte sich das Selbstportrait als eigenständige Gattung in den bildenden Künsten. In den folgenden Jahrhunderten gewann diese Gattung immer mehr an Bedeutung. Mit dem Beginn des 20. Jahrhunderts wurde das Selbstportrait besonders beliebt, insbesondere unter den Expressionisten und in den deutschsprachigen Ländern. Die vorliegende Publikation The Self-Portrait, from Schiele to Beckmann präsentiert bekannte Maler, die im Zentrum dieser Entwicklung der modernen Kunst agierten. Die ausgewählten Kunstwerke, u. a. von Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner, Oskar Kokoschka, Ludwig Meidner, Paula Modersohn-Becker, Felix Nussbaum und Egon Schiele, zeigen die Umstände und Voraussetzungen, unter denen Selbstportraits in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts entstanden.
Berühmte Frauenporträts in einem Band Klimt spielte im Wien der Jahrhundertwende eine zentrale Rolle. In seinen Arbeiten wird die Wende vom Symbolismus bis zur Moderne erfahrbar. Zu seinen berühmtesten Arbeiten gehören seine sinnlichen Frauenporträts. Glanzpunkte der Publikation sind Klimts Porträts von Damen der Wiener Gesellschaft: Serena Lederer (1899), Gertrud Loew (1902), Adele Bloch-Bauer I (1907), Mäda Primavesi (1913), Elisabeth Lederer (1914–16) und Ria Munk III (1917). Diese Arbeiten zeigen, wie sich Klimts Porträtierstil von seinen frühen ätherischen, vom Symbolismus und den Präraffaeliten geprägten Bildern bis zu seiner „Goldenen Phase“ sowie seinen fast fauvistischen Darstellungen entwickelt. Ergänzt werden diese Werke von vorbereitenden Skizzen und Arbeiten Klimts für die Wiener Werkstätte.
This unique and utterly fascinating appreciation of Gustav Klimt’s oeuvre reveals some of his most famous works in their original settings and offers valuable historic insight into his artistic vision. Interior design was extremely important to Gustav Klimt, and many of his paintings were suited to specific settings. That aspect of his work comes beautifully to life in this book. It illustrates how some of the artist’s most beloved canvases appeared in private homes and public exhibition spaces. Works such as the much-admired portraits of Adele Bloch-Bauer, Emilie Flöge, and Sonja Knips, shocking allegories such as Nuda Veritas and Hope I , and verdant landscapes are shown as they appeared in situ during Klimt’s lifetime. Full-color reproductions of the Klimt paintings are juxtaposed with historic black-and-white photographs documenting the original interiors with the featured paintings overlaid in color. Thoughtful and personal texts by Klimt scholar Tobias G. Natter accompany each major painting, providing valuable notes about the origin and context of the works, their settings, and Klimt’s early collectors and patrons. Meticulously produced and packaged, this book provides a refreshing perspective on Gustav Klimt, his networks, and his artistic vision, which made him the epitome of Viennese modernism.
Cette monographie explore la carrière d'Egon Schiele, qui, après s'être affranchi de l'influence de Gustav Klimt, a marqué l'histoire de la modernité avec son style unique. Ses œuvres, souvent provocantes et brutales, ont influencé de nombreux artistes malgré leur condamnation initiale. Elle comprend des essais sur son impact dans le contexte de l'expressionnisme européen.
Egon Schiele (1890-1918) se liberó de la sombra de Gustav Klimt y dejó una huella indeleble en la historia del arte moderno en solo diez años. Con su estilo provocador y su representación cruda de la sexualidad, desafió a la sociedad vienesa. A pesar de ser considerado "degenerado", su obra ha influido en generaciones de artistas. Esta monografía celebra su desarrollo artístico y su impacto en el expresionismo europeo.
Gustav Klimt und die Frauen ist eine Liebesgeschichte, die auch nach hundert Jahren nicht welk ist. (Frankfurter Allgemeine Zeitung)Frauenbilder nahmen bei Gustav Klimt einen ganz besonderen Platz ein. Doch wer verbirgt sich hinter Goldglanz und Farbenrausch? Dieser Band versucht, hinter der Faszination der Bilder den Frauen und ihren Schicksalen auf die Spur zu kommen. Zum Verlieben schön. Große Farbtafeln, Vorstudien, Photographien und ausführliche Texte von Experten runden das Bild eines großen Künstlers ab, der die Frauen geliebt hat. (Salzburger Volkszeitung)
Vienna at the dawn of the twentieth century was a city like no other—filled with avant-garde artists and bursting with intellectual and sensual energy. But this burgeoning society was constantly at odds with the conservative and often disapproving nineteenth-century culture. This fascinating book focuses on the figures at the center of this Egon Schiele, Gustav Klimt, Oskar Kokoschka, and others whose radical artistic expressions were shocking as well as ground-breaking. This generously illustrated volume examines the numerous levels on which the new culture clashed with the old, including sexuality, power, and religion. It analyzes the impact these artists’ works had on their surroundings, and places them in an historical context that illuminates the social and cultural debate they instigated. It also explores why art that seemed so provocative at its conception now represents a standard of excellence for the modern audience.
Klimt, Schiele, Kokoschka und andere Skandale
Egon Schiele (1890–1918) entwickelte nach der Befreiung von Gustav Klimt eine unverwechselbare Handschrift in der modernen Kunst. Seine provokanten Werke, geprägt von drastischer Sexualität und Selbstinszenierung, stießen auf Widerstand in der Wiener Gesellschaft. Trotz anfänglicher Diffamierung beeinflussten sie zahlreiche Künstler und erzielen heute hohe Preise. Dieser Band dokumentiert Schieles letztes Jahrzehnt mit fast 600 Abbildungen und Essays, die seinen Einfluss im europäischen Expressionismus beleuchten.
Der Band untersucht die Darstellungen nackter Männer in der bildenden Kunst von der Aufklärung bis heute, reflektiert über Wandel in den Kategorien wie "Körper" und "Männlichkeit" und beleuchtet Werke von Künstlern wie Egon Schiele, Richard Gerstl und Andy Warhol. Essaybeiträge thematisieren Männlichkeit und Identitätskonstruktion.
Politik- und Gesellschaftstheorie nach Arendt und Adorno
Ganz gleich ob Cirrus, Cumulus oder Stratus: Sich endlos wandelnd und kaum fassbar, haben die Wolken am Himmel den Menschen von jeher fasziniert. Seit dem frühen 19. Jahrhundert rücken viele Künstler Wolkenbilder in den Mittelpunkt ihres Interesses, was der reich illustrierte Band anhand von Meisterwerken so unterschiedlicher Künstler wie Caspar David Friedrich, John Constable, William Turner, Claude Monet, Paul Cézanne, Ferdinand Hodler, Gustav Klimt, Emil Nolde, René Magritte, Edward Steichen, Gerhard Richter oder Andy Warhol vor Augen führt. Die Publikation belegt die schier unbegrenzten Assoziationen, die Künstler von der Romantik bis heute mit dem Phänomen der Wolke verbinden, und spannt dabei einen Bogen von der Wolke als Ornament bis zu bedrohlichen Gewitterwolken, von der »Erfindung der Wolken« hin zu künstlich erzeugten Wolkengebilden. Erzählt wird von Metamorphosen und von der »unheimlichen Schönheit« , und es wird sogar die Klangwolke entdeckt. Ausstellung: Leopold Museum, Wien 22.3.2013–1.7.2013
Egon Schiele (1890–1918) zeichnete jene berühmt gewordenen Frauenakte, deren Tabulosigkeit in der Wiener Gesellschaft Anstoß erregte. Wichtig war ihm das Thema Künstlerfreundschaft. Mit seinem Plakatentwurf „Die Tafelrunde„ stellt er sich im Kreise seiner Künstlerfreunde dar. Dieser Freundeskreis war 1909 entstanden, als sich Schiele mit Studienfreunden zur „Neukunstgruppe“ zusammenschloss. Gemeinsam organisierten sie schockierende Ausstellungen jenseits der konservativen Wiener Kunstakademie. Damit wurden diese Künstler nicht nur zu Bahnbrechern der Moderne, sondern entwickelten ein Netzwerk zur Durchsetzung gemeinsamer künstlerischer Interessen. Dieser Band versammelt neben den einzigartigen Werken Schieles wichtige Arbeiten seiner Freunde. Etwa seines väterlichen Mentors Gustav Klimt, von Freunden wie Max Oppenheimer oder späteren Rivalen wie Oskar Kokoschka. Der die gleichnamige Ausstellung der Österreichischen Nationalgalerie begleitende Katalog eröffnet einen neuen Blick auf den österreichischen Frühexpressionismus, der international bislang kaum wahr genommen wurde. Entstanden ist ein konziser Einblick in die junge postsecessionistische Kunst zwischen 1910 und 1918. – Neuer Blick auf den Einzelgänger Egon Schiele – Wiederentdeckung der Frühzeit der Wiener Moderne
Wann und warum werden museale Magazine als eigene Funktions- und Bauteile von Museen erstellt? In welchem Verhältnis stehen Schaudepots zu den übrigen Formen der musealen Präsentation? Nach welchen Kriterien können Objekte in ihnen geordnet werden? Wie ist der gegenwärtige Trend, die Magazine zu öffnen, museologisch einzuordnen? Die Beiträge im Band stellen sich diesen Fragen und verknüpfen dabei grundsätzliche museologische Überlegungen mit konkreten Beispielen aus der Praxis.
1980 stirbt Oskar Kokoschka – fast 94jährig. Der Weggefährte von Gustav Klimt und Egon Schiele überlebt beide Freunde um Jahrzehnte. Als Klimt und Schiele 1918 sterben und das Ende des 1. Weltkriegs auch den Untergang der Monarchie begründet, ist Kokoschka 32 Jahre alt – vor ihm steht noch das ganze 20. Jahrhundert, das er erleben wird und das ihn mit seinen Umbrüchen und dem 2. Weltkrieg prägen wird. Kokoschka wird, von den Nationalsozialisten als „entartet“ diffamiert, Exil in England suchen, und sich den deutschsprachigen Raum nach 1945 wieder zurückerobern. Seine Witwe Olda übergibt nach Kokoschkas Tod das „Privatalbum“ mit über 5000 Fotografien der Wiener Universität für angewandte Kunst, darunter Aufnahmen von berühmten Fotografen wie Hugo Erfurth, Madame d’Ora, Trude Fleischmann, Brassaï, Erich Lessing und Sven Simon sowie zahlreiche Fotos aus dem Privatleben des Künstlers. Erstmals wird dieser Fotoschatz in einem Buch präsentiert. Damit wird das Phänomen Kokoschka als Kunst- und Künstlergeschichte, als Zeuge der Zeit- und Sozialgeschichte offenbar.
Ein Muss für alle Schneeliebhaber: Mit rund 180 Werken bietet der Band einen facettenreichen kunst- und kulturhistorischen Überblick, der aufzeigt, wie Künstler von 1800 bis heute den Schnee - seine glänzende weiße Pracht wie seine dunklen Seiten - ins Bild gesetzt haben. Der Reigen setzt ein mit der künstlerischen Eroberung der Alpenwelt in der Vorromantik. Die Künstler um 1800 begreifen Schnee nun als ästhetisches Phänomen - die bedrohliche Naturgewalt mutiert zur weißen, verschneiten Wildnis. Künstlerischen Ausdruck findet der Schnee in der Folge auch in der berühmten Pleinair-Malerei der Impressionisten, etwa bei Monet oder Signac. Andere Künstler von Weltrang wie Segantini, Kirchner oder Dix geben Einblick in die Variationen des Motivs in Symbolismus, Expressionismus und Neue Sachlichkeit. Schneebilder der frühen Fotografie, Beispiele von Tourismuswinterplakaten, Spiel- und Dokumentarfilmen sowie ausgewählte Positionen zeitgenössischer Kunst, darunter Peter Fischli und David Weiss, spannen den Bogen über das 20. Jahrhundert bis in die Gegenwart. Ausstellungen: Vorarlberger Landesmuseum, Bregenz, und Museum Huber-Hus, Lech am Arlberg 20.6.-4.10.2009
Die Ausstellung veranschaulicht den faszinierenden Reichtum an Formen und Farben traditioneller Kopfbedeckungen. Die insgesamt 96 Hauben, Hüte und Krönele bestechen durch eine breite Vielfalt hinsichtlich Herkunft und Alter, Form und Material. Neben der Fülle an Schappele, Goldhauben und Brautkronen thematisiert die Schau auch die Sammlungsgeschichte und den zeithistorischen Kontext.
Gold als das edelste aller Metalle vermag die Menschen seit alters her zu faszinieren. Zum materiellen Wert kommt sein spiritueller und mythischer Gehalt, der bis heute nichts an Strahlkraft verloren hat. Das Buch zeigt erstmals eine umfassende Zusammenstellung von Kirchenschätzen aus der ungewöhnlich reichen Kulturlandschaft zwischen Bodensee und Chur. Ausgangspunkt sind frühe Zeichen der Christianisierung in Form von alemannischen Goldblattkreuzen aus dem 6. und 7. Jahrhundert. Das Ende markiert die Reformationszeit, als 1528 im Zuge der Religionswirren der Konstanzer Münsterschatz eingeschmolzen und die Gebeine der Heiligen in den Bodensee geworfen wurden. Besondere Glanzpunkte sind einzigartige Reliquienschreine aus dem Domschatz der Kathedrale Chur oder das Evangelium longum mit Schmucktafeln aus dem persönlichen Besitz von Kaiser Karl dem Großen. Mit zahlreichen großformatigen Farbabbildungen, informativen Textbeiträgen und Dokumenten der Zeit ist der Band eine prächtige Zusammenschau mittelalterlicher Schatzkunst aus über 1 000 Jahren. Ausstellungen: Vorarlberger Landesmuseum, Bregenz, und Johanniterkirche, Feldkirch 21.6.–5.10.2008
Um 1900 erlebt die Donaumetropole den Aufbruch der österreichischen Kunst zur Moderne. An der Spitze dieser Bewegung steht der Erneuerer Gustav Klimt, dessen secessionistischer Jugendstil die schwüle Extravaganz der Makart'schen Salonmalerei verdrängt. Zum Expressionismus finden Vertreter der jüngeren Generation - allen voran der Wiener Oberwildling Oskar Kokoschka und Egon Schiele, der mit tabuloser Neugier Sexualität und Erotik zu thematisieren wagt. Nährboden für diese atemberaubende Entwicklung ist die Habsburger Monarchie, die um die Jahrhundertwende einen rasanten Modernisierungsschub erlebt. Auslöser dieses Umbruchs ist ein Wirtschaftsboom, der eine neue Elite von Intellektuellen und Industrieunternehmern hervorbringt. In diesem Gemisch aus Konvention und Liberalismus, aus gediegener Eleganz und provokativem Fortschritt, bildet sich ein neuer Typ von Mäzenen und Kunstsammlern, der aktiven Anteil an Leben und Werk der Künstler nimmt. Spannend und facettenreich beschreibt Tobias Natter die Verbindungen zwischen dem strahlenden Künstler- Dreigestirn Klimt, Schiele, Kokoschka und den Personen, die den materiellen Rahmen für ihre frühen Erfolge schufen. Aus dem gemeinsamen Wirken der Künstler und ihrer Sammler formt sich ein Zeitbild, in dem der Gedanke des Gesamtkunstwerkes Kunst und Leben zusammenführte und ein von Künstlern entworfenes Design den Alltag veredelte.
