This book provides an overview of Egon Schiele's development from his earliest days at the Vienna Academy to his untimely death in 1918. Born in 1890, Schiele sloughed off the tradition of Viennese Art Nouveau and became the founder of Austrian Early Expressionism. Between 1910 and 1918 he created an oeuvre in which, for the first time in the history of art, the body in its explicit nakedness became the symbol of the human being's existential loneliness and homelessness. Nor, in his self-portraits, did Egon Schiele shy away from drastic uglification and obscene self-stigmatization.
The Principality of Liechtenstein in the heart of Europe is famous for its medieval castles and charming Alpine landscapes and villages. On the occasion of its 300th anniversary, the Albertina in Vienna is hosting a comprehensive exhibition. The works presented here illustrate the remarkable spectrum of Liechtenstein’s collection policy. The unique holdings of the Princely Collections are thus presented for the first time in such detail in this two-volume publication. Das Fürstentum Liechtenstein im Herzen Europas ist bekannt für seine mittelalterlichen Burgen und seine reizvollen Alpenlandschaften und Dörfer. Die Hauptstadt Vaduz ist seit langem ein Zentrum der Kultur und Finanzwirtschaft. Anlässlich seines 300jährigen Bestehens zeigt die Albertina in Wien, der Stadt, in der die Liechtensteinische Fürstenfamilie bis zum Jahr 1938 lebte, eine umfangreiche Ausstellung. Die im vorliegenden Band repräsentierten Werke illustrieren das bemerkenswerte Spektrum fürstlicher Sammlungspolitik – von Peter Paul Rubens berühmter Venus vor dem Spiegel über ausgewählte Kunstschätze der herausragenden Biedermeierkollektion bis zu den spektakulären Neuerwerbungen der letzten 15 Jahre. Die einzigartigen Bestände der Sammlungen werden dem Leser in einer zweibändigen Publikation erstmals umfassend vorgestellt.
Art critic Rudij Bergmann has stated, "For Neo Rauch, painting is reflection on what is no longer present. His is a decidedly romantic attitude of refusal that gives deeper meaning to figures frozen strangely in motion--as an allegory of universal alienation from the world and rejection of technology and as a melancholy homage to the unfulfilled promise of freedom and human happiness. There is a constant stream of memory in these works, not only of world history but also of childhood, Pop Art, and comics." Rauch possesses an artistic style and sensibility that place his paintings among the most original of our time. Rauch's palettes and compositions are reminiscent of postwar illustrations; so are his figures. They belong in the past, constantly at work in a world filled with industrial symbolism. These symbols, themselves easily identified, are difficult to interpret in the context of the works, in part due to Rauch's painterly style, ominous colors and skewed perspectives. The dichotomies at play in his work provide an overall sense of false comfort tinged with disturbance, of a situation brewing, threatening to reveal itself. This book presents his recent large works on paper completed in 2003 and 2004.
The internationally renowned artist Sean Scully (*1945) is known above all for his abstract, expressively painted works. The artist creates large-format paintings with an intense application of color and rough brushstrokes; he often has checkered or striped patterns emerge, thus reproducing the aesthetic of geometric minimalism. In the planned exhibition at the Albertina, Sean Scully: Eleuthera, Sean Scully and his art will be shown from a much more private side. At the center of the exhibition is the “Eleuthera” series from the years 2016–17, in which Scully examines a very familiar topic. The series consists of twenty-five large-format oil paintings depicting Oisín, the artist’s seven-year-old son, playing on the beach of Eleuthera, an island in the Bahamas. The accompanying publication presents this new group of works for the first time.
A wider public discovery of the Georgian painter Niko Pirosmani (1862–1918) is long overdue. Known as a significant representative of naïve art, his remarkable story includes painting for inns and pubs. While largely unknown outside Georgia, his work was exhibited alongside notable artists like Natalia Goncharova, Mikhail Larionov, Kazimir Malevich, and Marc Chagall in the 1913 exhibition Mischén (Target) in Moscow, where he earned the title “Rousseau of the East.” Pirosmani’s unique visual vocabulary features consistently reduced formal elements: set against a black background, the primary colors of red, blue, yellow, green, and white create refined effects that immediately engage viewers. The Albertina in Vienna is hosting a significant retrospective of Pirosmani, marking the first major examination of his paintings in the heart of Europe in a long time, exploring his work within the broader context of art history. This exhibition runs from October 26, 2018, to January 27, 2019, at the Albertina, followed by a display at the Fondation Vincent van Gogh in Arles from March 2 to October 20, 2019.
Egon Eros and Passion Klaus Albrecht Schröder In this brilliant analysis, the erotic work of the Expressionist artist is examined within the perspective of history’s shifting views concerning beauty, aesthetics, and decency. Egon Schiele’s controversial nudes and self-portraits were fiercely reviled when they first appeared in the early decades of the twentieth century and, nearly one hundred years later, they still have the power to shock. Examining why Schiele’s work elicits this response, the author explores the social constrictions of Schiele’s generation and the role of the artist as a breaker of taboos. Incorporating superb reproductions of Schiele’s works, those of his contemporaries, and historical photographs, the author offers a penetrating study of an artist whose idea of beauty transcended the morality of his time. Klaus Albrecht Schröder is Director of the Albertina Museum in Vienna, Austria.
Die Arbeiten und Aktionen von Gottfried Helnwein (*1948 in Wien) lösen immer wieder Diskussionen aus. Seine schmerzhaften Bilder verweigern dem Betrachter sehr bewusst das Behagen an der Kunst, stellen unbequeme Fragen und geben keine Antwort. Vielen gilt Helnwein als der Nachfolger Andy Warhols, als unbestechlicher Chronist der Zeit. Anlässlich seines 65. Geburtstags stellt die retrospektive Monografie alle Stationen seiner künstlerischen Entwicklung vor, von den bahnbrechenden fotorealistischen Werken, wie Peinlich (1971), das in der Kombination aus Kinderbild und Comic-Bezug bereits wichtige thematische Stränge festlegt, über das Selbstporträt (Blackout) von 1982, das als Plattencover der Scorpions weltweite Berühmtheit erlangte, bis hin zu jüngeren Arbeiten, wie der verstörenden Serie Disasters of War, die schwer verletzte Mädchen in den Mittelpunkt der Darstellung rückt. Ausstellung: Albertina, Wien 25.5.–13.10.2013
This book focuses for the first time on the relationship between drawing and painting in Van Gogh's Art. Includes 50 paintings and 120 major watercolours and drawings by Van Gogh.
Approximately 400 exquisite paintings, drawings, furniture, decorative objects, and clothing, with commentaries by leading scholars in the field. „viennaartbookaward,“ 2007
The presentation Masterworks of architectural drawing provides new insights into this fascinating genre: a selection of around 120 highlights from the Albertina's important collection of architecture-related works covers a period running from the Late Gothic and the Renaissance to the Baroque and Classicism, to Historicism and Art Nouveau, and continuing all the way to the architecture of the present day. World-famous drawings by Gian Lorenzo Bernini, Theophil von Hansen, Adolf Loos, Frank Lloyd Wright, Clemens Holzmeister or Hans Hollein and many others reveal the essence and unique qualities of architectural sketches while also showing painters' compositional takes on and naturalistic perceptions of buildings, architectural ensembles, and cities.
140 masterpieces of painting demonstrate the parallel development of widely different styles, design principles and aesthetic ideas. The avant-garde artists influenced each other and were sometimes in conflict with each other. At the same time you could find advocates of representational Expressionism and supporters of pure abstraction; styles like Primitivism, Cubo-Futurism and Suprematism followed each other in succession. Surprising contrasts of works visualize the differences, so that the successive conflicting -isms are clearly demonstrated. Through this visual confrontation the picture of all the many different forms of Russian avant-garde come alive. With works by Altman,Chagall, Exter, Gontscharowa, Griogorijew, Kandinsky, Larionow, Lissitzky, Malewitsch, Petrow-Wodkin, Popowa, Rodtschenko and many ohters. Exhibition: Albertina, Vienna, Austria (26.02-26.06.2016).
Katharina Grosse (* 1961) schafft in drei historischen Räumlichkeiten der Albertina begehbare Kunstwerke. Die vibrierenden Farbfelder breiten sich auf Wand, Decke und Boden aus, überschreiten räumliche und gedankliche Grenzen. Sie überwältigen durch ihre Kraft, Intensität und die schiere Größe. Der Katalog dokumentiert die dreidimensionale Bildwelt mit detailreichen Installationsfotos und Bildern aus dem Atelier. Expansion und permanente Grenzüberschreitung, Freiheit und Autonomie bilden die Grundpfeiler von Grosses Œuvre. Wie das wilde Denken ist ihr Schaffen experimentell und unberechenbar. Zahlreiche Fotos aus dem privaten Archiv der Künstlerin bieten Einblick in Ihre Arbeitsweise, Inspirationsquellen und Ideenfindungsprozesse.
Before the rise of Pop Art proper, Alex Katz developed an iconic style of figurative painting in the early 1960s— influenced by film, television, and billboard advertising. Seemingly detached and incredibly stylish, he created portraits of the New York scene as well as idyllic landscapes. Printmaking plays an equally central role in Katz’s work. He uses lithographs, etchings, silkscreens, woodcuts and linocuts to reproduce, reflect and further reduce his bold aesthetic, while retaining the radiant color characteristic for his paintings. Since the first edition in 2011, Katz has almost doubled his output of prints—this timely new edition includes his complete prints, cutout editions, artists’ books, and also lists his works of applied art like book illustrations and public art projects. New essays and interviews with the artist give profound insights into the work of one of the foremost American artists of the present. When ALEX KATZ (*1927, New York City) began his artistic career in the 1950s, Abstract Expressionism was the reigning style. Ahead of his time, he created stylized portraits against flat, monochrome backgrounds. From 1965 onwards, he embarked on a prolific career in printmaking, exhausting all its possibilities: from traditional craftsmanship to state-of-the-art reproduction techniques.
Das malerische Werk Gerhard Richters (*1932) fand in den vergangenen Jahrzehnten größte internationale Beachtung. Sein beeindruckendes Œuvre auf Papier hingegen ist bislang nur einem kleineren Kreis von Kennern bekannt. Erste Aquarelle und Zeichnungen, die zunächst wie seine Gemälde auf Fotografien basieren, entstehen 1964. Die Papierarbeiten treten fortan in größeren Zeitintervallen und meist systematisch in Serien auf. Richters Aquarellkunst findet ihren ersten Höhepunkt in den Achtzigerjahren, letzte Blätter, die den abstrakten Gemälden nahe stehen, stammen von 1997. Das filigrane zeichnerische Werk, das Richter wegen seiner ambivalenten Beziehung zu dieser Bildgattung erst ab 1985 ausstellte, begleitet ihn bis ins Jahr 1999. Mit einer repräsentativen Auswahl von Aquarellen und Zeichnungen widmet sich der Band diesem eigenständigen Komplex in Richters Schaffen und dokumentiert damit das breite Spektrum der Techniken, das sein Werk seit den Anfängen bestimmt. Die Arbeiten, die unter anderem aus dem Besitz Gerhard Richters stammen, ermöglichen es, die unterschiedlichen Phasen der Entwicklung seines Œuvre auf Papier anschaulich zu machen. Ausstellung: Albertina, Wien 30.1.–3.5.2009
Eduard Angeli ist ein Meister des großformatigen Tafelbildes. Charakteristisch für die Werke der 1980er und 1990er Jahre sind geometrische Farbflächen, die innerhalb einer magischen Beleuchtung eine rätselhafte Bühne ohne Akteure bilden.
Am Vorabend des niederländischen Unabhängigkeitskampfes gegen die spanische Herrschaft, in einer Zeit der politischen, sozialen und religiösen Umbrüche, entwarf Pieter Bruegel (ca. 1525 – 1569) eine ebenso komplexe Bildwelt. Humorvoll und volksnah, scharfsinnig und zutiefst kritisch reflektierte er die Gesellschaft seiner Zeit. Der reich bebilderte Katalog beleuchtet Bruegels künstlerische Ursprünge und bietet einen Überblick über sein gesamtes grafisches Schaffen, das so gegensätzliche Themen wie den »Bauern-Bruegel«, Bruegel als »zweiter Hieronymus Bosch«, als Erneuerer der Landschaftskunst sowie als satirischen Moralisten in sich vereint.
With their pioneering method using dots, the artists of Pointillism no longer directed their gaze only towards the imitation of reality. In their paintings between 1886 and 1930 their dots, colour and light assumed an independent existence to create masterpieces of unprecedented brightness and colour diversity. The works by the inventors of this technique, Georges Seurat and Paul Signac, marked the beginning of this exuberant outburst of colour. Works by Henri Matisse, Pablo Picasso, Carlo Carrá, Karl Schmidt-Rottluff, Piet Mondrian and Paul Klee demonstrate how artists made a study of Pointillism during the 20th century. Vincent van Gogh contributed to the way that modernist painters abandoned Pointillism. More than 100 selected works, including paintings, watercolours and drawings, illuminate the dawn of a new era which this art movement was responsible for bringing about: the beginning of modern painting.
The Albertina in Vienna houses one of the world’s most eminent collections of art. This extensive, sumptuously illustrated volume presents the museum’s masterpieces acquired by the founder of the collection, Duke Albert of Saxe-Teschen, and his consort, the Grand Duchess Marie Christine. The history of the couple’s mercurial, fateful lives begins in the Baroque era at the court of Maria Theresa and moves through the years of revolution in America and Europe to the restoration of the conservative monarchies after the Vienna Congress in 1815. Well-informed essays shed light on their sojourns in Dresden, Rome, Paris, Brussels, and Vienna—centers of European culture and politics as well as hotbeds of social and intellectual innovations during the Enlightenment—and provide personal insight into the feudal lifestyle of the European aristocracy. Further contributions deal with the networks of collectors and art dealers as well as the history of the ideas behind this princely collection of prints. (German edition ISBN 978-3-7757-3738-8) Exhibition schedule: Albertina, Vienna, March 12–June 29, 2014
The Dutch master Rembrandt van Rijn (1606-1669) was one of the greatest draftsman of all time. Even small and quick sketches reveal his incomparable skill in capturing compositions, figures, groups, human gestures, facial expressions and landscapes with just a few strokes. Although some of Rembrandt's drawings served as preparatory studies for paintings and etchings, most are conceptual works in which he investigated motifs of movement and expression, recording ideas for his own works and those produced by pupils in his studio. Encompassing works from Rembrandt's entire career, this compact and exquisitely produced monograph presents the full spectrum of the genres and materials used in the drawings. In addition, recent scholarship has revealed that many drawings once attributed to Rembrandt were in fact done by his pupils. Of the 126 drawings in the important Berlin collection from which this volume draws its illustrations, only 55 are still considered original works by the master. Each of these is presented here within a scholarly text by Holm Bevers. As well, a selection of 25 drawings by Rembrandt's pupils is examined in light of the most recent research.
Herausgegeben Von Klaus Albrecht Schröder ; Mit Beiträgen Von Evelyn Benesch ... [et Al.]. Dieses Katalogbuch Erscheint Anlässlich Der Ausstellung 'lovis Corinth' Im Kunstforum Der Bank Austria, Wien Vom 2. September Bis 22. November 1992 Und Im Forum Des Landesmuseums Hannover Vom 8. Dezember 1992 Bis 21 Februar 1993--t.p. Verso. Includes Bibliographical References (p. 224-226).
Herausgegeben Von Klaus Albrecht Schröder Und Heinz Widauer ; Mit Beiträgen Von Anne-marie Logan ... [et Al.] Catalog For The Exhibition At The Albertina, Vienna, Sept. 15-dec. 5, 2004. Includes Bibliographical References
Die Russische Avantgarde, aktiv zwischen 1905 und 1934, stellt eine der faszinierendsten Phasen der Kunst des 20. Jahrhunderts dar. Künstler wie Malewitsch, Kandinsky und Chagall sind international anerkannt, doch die Bewegung war vielschichtiger als oft angenommen. In einer beeindruckenden Sammlung werden 130 Meisterwerke präsentiert, die die Vielfalt der Stile, Gestaltungsprinzipien und ästhetischen Ideen zeigen.
Die Avantgarde-Künstler beeinflussten sich gegenseitig, während sie gleichzeitig in Konflikt standen. Auf der einen Seite gab es Befürworter des gegenständlichen Expressionismus, auf der anderen Seite Anhänger der reinen Abstraktion. Stilrichtungen wie Primitivismus, Kubo-Futurismus und Suprematismus entwickelten sich rasant und führten zu spannenden Gegenüberstellungen von Werken, die die sich ablösenden und konkurrierenden Ismen verdeutlichen. Diese visuelle Konfrontation erweckt das Bild der vielen russischen Avantgarden zum Leben und zeigt die Dynamik und den Reichtum dieser Epoche.
Die Künstler, die in dieser Bewegung wirkten, umfassen bedeutende Namen wie Natan Altman, Marc Chagall, Wassiliy Kandinsky, Kasimir Malewitsch und viele andere, deren Beiträge die Kunstgeschichte nachhaltig beeinflussten.
Begleitbuch zur großen Dürer-Ausstellung in der Albertina in Wien Mit nahezu 140 Arbeiten besitzt die Albertina den weltweit größten und bedeutendsten Bestand an Zeichnungen Albrecht Dürers (1471–1528). Schwerpunkte der Sammlung sind die Familienbildnisse, Tier- und Pflanzenstudien sowie die Kopf-, Hand- und Gewandstudien auf gefärbten Papieren. Die Publikation präsentiert diese bedeutende Sammlung und zeigt auf, dass es sich bei den Zeichnungen Dürers vorrangig um „Exempla“ beträchtlicher Meisterschaft handelt. Als „Meisterzeichnung“ stehen Dürers Blätter am Anfang der Autonomisierung der Zeichnung in der Kunstgeschichte und sollten der Hochschätzung des Mediums den Weg bereiten. Gegenübergestellt werden sie Gemälden und Druckgrafiken Dürers; die Zeichnungen zeigen sich in ihrer künstlerischen Leistung hier der Malerei und der Druckgrafik mindestens ebenbürtig.
Ausstellungskatalog, ca. 45 Skulpten und 12 Zeichnungen des österreichischen Bildhauers Karl Prantl. Geb. 1923 - gestorben 2010. Mitglied der Wiener Künstlergruppe „Der Kreis“. 1959 gründet Prantl das international erste Bildhauersymposium im Römer-Steinbruch St. Margarethen, Burgenland. 1996 Teilnehmer der Biennale von Venedig.
Edvard Munch. Im Dialog widmet sich dem norwegischen Künstler Edvard Munch (1863-1944) und dessen nachhaltigem Einfluss. Vor allem das späte Schaffen des Künstlers ab den 1910er Jahren und dessen Relevanz und Aktualität für die Kunst der Gegenwart sind Thema der Publikation. Es geht nicht vorrangig um unmittelbare Variationen von Munchs ikonischen Bildern, wie sie etwa Andy Warhol vorgelegt hat, wenngleich diese eine Rolle spielen. In erster Linie liegt der Fokus auf jenen Künstlern, die sich tiefgreifend mit Munch befasst und die formale Experimentierfreudigkeit des Norwegers fortgesetzt beziehungsweise die inhaltliche Dimension seiner Motive und Themen in ihrem eigenen Schaffen subtil ausgelotet haben
Die Entdeckung des georgischen Malers Niko Pirosmani (1862-1918) für ein breites Publikum ist überfällig. Als Autodidakt malte er seine Werke für Gasthäuser und gilt als bedeutender Vertreter der Naiven Malerei. Seine spezielle Rezeptionsgeschichte ist bemerkenswert: Während er heute außerhalb Georgiens kaum bekannt ist, wurde er 1913 in der legendären Ausstellung »Mischén« in Moskau zusammen mit Künstlern wie Natalia Gontscharowa und Marc Chagall als »Rousseau des Ostens« präsentiert. Pirosmanis Bildsprache zeichnet sich durch konsequent reduzierte Formelemente aus. Auf einem schwarzen Bildgrund entwickeln die Elementarfarben Rot, Blau, Gelb, Grün und Weiß raffinierte Effekte und sprechen den Betrachter direkt an. Die Albertina in Wien widmet ihm eine große Retrospektive, die seine Malerei kunsthistorisch einordnet. Diese Ausstellung ist die erste ihrer Art im Herzen Europas seit langer Zeit und bietet die Möglichkeit, Pirosmanis einzigartigen Stil und seine Bedeutung in der Kunstgeschichte zu entdecken. Die Retrospektive läuft vom 26. Oktober 2018 bis zum 27. Januar 2019 in Wien und anschließend vom 2. März bis zum 20. Oktober 2019 in der Fondation Vincent van Gogh in Arles.
A wider public discovery of Georgian painter Niko Pirosmani (1862–1918) is long overdue. Known as a significant representative of naïve art, his unique reception is noteworthy, as he painted for inns and pubs. Although largely unknown outside Georgia today, his work was featured alongside artists like Natalia Goncharova, Mikhail Larionov, Kazimir Malevich, and Marc Chagall in the legendary 1913 exhibition Mischén (Target) in Moscow, where he earned the title “Rousseau of the East.” Pirosmani’s visual vocabulary is characterized by reduced formal elements: set against a consistently black background, his use of primary colors—red, blue, yellow, green, and white—creates refined effects that captivate viewers. The Albertina in Vienna is presenting a significant retrospective of Pirosmani's work, exploring his paintings within the context of art history. This exhibition marks a long-awaited opportunity for a broader audience to appreciate his contributions to art.
Es waren die besten Aquarellisten, die Kaiser Ferdinand I. beauftragte, ein »Bilderbuch« von den schönsten Gegenden und wichtigsten Plätzen der österreichischen Monarchie und der angrenzenden Länder zu liefern. Ferdinands erste Aufträge erfolgten
1833 zunächst an Eduard Gurk, dann an Jakob Alt, der dafür gemeinsam mit seinem Sohn Rudolf arbeitete. Die letzten Aquarelle entstanden 1849.
Von den über 300 großformatigen Aquarellen verwahrt die Albertina 227 Werke. Der weiten zeitlichen Spanne der Entstehung der Blätter entspricht eine große Bandbreite an Inhalten
– von der Darstellung prominenter Gebäude zu Gesamtansichten von Städten, besonderen Landschaften bis hin zur Wiedergabe des Volkslebens.
Die Betrachtung der Aquarelle durch einen Guckkasten hat die unmittelbare Wirkung der Werke wohl noch weiter verstärkt.
Erstmals wird dieses Panorama aus der Blütezeit der österreichischen Aquarellmalerei umfassend präsentiert.
Ab 1802 schufen Künstler wie Jakob Gauermann, Matthäus Loder und Thomas Ender Werke für eine höchst qualitätvolle Sammlung von annähernd 1500 Blättern. Sie beinhaltet vor allem Veduten, aber auch Trachtendarstellungen und Ansichten von frühen Industrieanlagen. Von besonderem Reiz sind zusätzlich die bildlichen Schilderungen von Begebenheiten aus dem Leben von Erzherzog Johann – allen voran die berühmte Geschichte seiner Liebe zur Ausseer Postmeisterstochter Anna Plochl. Erstmals werden die herausragenden Werke, die sich bis heute im Besitz der Nachkommen des Erzherzogs befinden, in dieser Fülle publiziert.
On June 4, 1938, having paid the “German Reich Escape Tax” and the “Jew Property Tax,” Sigmund Freud left his apartment at 19 Berggasse forever. A few days before his emigration from Vienna to London, photographer Edmund Engelmann courageously and secretively recorded Freud's legendary residence, documenting it in photographs that were eventually published. An old volume of these photographs was presented to artist Robert Longo in 1993, acting as the catalyst and primary source material for the 30 large-size charcoal works that constitute The Freud Drawings . Via Longo's charcoal, Freud's deserted rooms become an admonition of a destroyed world, tension-filled reminiscences of a place both momentous and monstrous, eclipsed and strange.
Der Kunstfreund mag sich dessen vielleicht nicht bewusst sein, doch gilt es zwei verschiedene Auffassungen von Romantik zu unterscheiden: Zum einen die auf Caspar David Friedrich und Philipp Otto Runge gründende norddeutsche, protestantische Ausprägung, zum anderen die in Wien ihren Anfang nehmende, katholische Romantik, wie sie sich mit den Lukasbrüdern und den bald nach Rom weiterziehenden Nazarenern zeigt. Die Publikation stellt diese Positionen anhand von Werken aus der Albertina und des Kupferstichkabinetts der Akademie der Bildenden Künste in Wien sowie vieler internationaler Sammlungen einander gegenüber und beleuchtet die Gegensätze anhand von zentralen Gestaltungsprinzipien, Themen und Motivkreisen: die Arabeske, die Verklärung der deutschen Vergangenheit, das Gotikbild, die Rezeption altgermanischer Sagenstoffe, die Kunsterneuerung nach Raffael und Albrecht Dürer, das Landschaftsbild, die symbolhafte Behandlung des Lichts und nicht zuletzt die Suche nach dem Transzendenten in Mensch und Natur. Ausstellung/Exhibition: Albertina, Wien/Vienna 13.11.2015–28.2.2016 – Die Ausstellung ist eine Kooperation der Albertina und des Kupferstichkabinetts der Akademie der bildenden Künste Wien.
Herzog Albert von Sachsen-Teschen und seine Gemahlin Erzherzogin Marie Christine legten im Jahr 1776 den Grundstein für die renommierte und heute nach Albert benannte Grafiksammlung in Wien. Ungewöhnlich für die damalige Zeit war die Wertschätzung des Paars für Zeichnungen und Drucke, die sie Gemälden als ebenbürtig erachteten. Gegen vorherrschende Sammlungskonventionen und traditionelle Gattungshierarchien hegte das Herzogspaar auch größtes Interesse für die Kunst ihrer Gegenwart. Von der angestrebten enzyklopädischen Vollständigkeit der Sammlung versprach sich Albert eine Förderung zeitgenössischer Künstler. Der vorliegende Sammelband zeigt das wechselvolle Leben der Gründer der Albertina im Spannungsfeld von Absolutismus, Revolution und Wiener Kongress erstmals umfassend auf. Ausstellung: Albertina, Wien 14.3.–29.6.2014
