Michael Bockemühl Books

As a blind person would see the world if the gift of sight suddenly returned - so might one describe the effect of Turner's paintings on the observer. John Ruskin, the uncompromising nineteenth century defender of the painting of William Turner (1775-1851) spoke of the 'innocence of the eye', which perceives the colors and forms of the world before it recognizes their significance. But in order to develop such a style, Turner first had to overcome the entire legacy of late rococo academic teachings. He was simultaneously a romantic and a realist - and yet he was neither. His landscapes, far in advance of their time, have been called forerunners of Impressionism, but they also posses traits that influenced Expressionism, and many of his late compositions are thoroughly surrealistic. Contents Observation -a method of approach Early days -expertise becomes evident Completed structure becomes open form The artist´s world: Mental conception and pictorial realization The open picture and its manifestation The "open secret" of colour J. M. W. Turner 1775-1851: Chronology Notes

William Turner (1775-1851) was simultaneously a romantic and a realist--and yet he transcended both styles. This book opens up Turner's paintings, demonstrating that he was not simply illustrating nature, but that his pictures speak directly to the eye as nature does itself.

The mystery of the revealed A mirror of the artistic and intellectual developments of the 17th century Rembrandt Harmensz van Rijn (1606–1669) was one of the most complex and multi–faceted artists of the 17th century. From his initial period in Leiden to his early and late phases in Amsterdam, the stages of Rembrandt’s career mirror the artistic and intellectual developments of the century. After breaking off his studies in Leiden, the young Rembrandt trained as a painter for two years and eventually established his own painting workshop. Characteristic of the Leiden period are his biblical histories, such as The Raising of Lazarus , but the roots of Rembrandt’s portraiture, nourished by his intensive studies of physiognomy, also are to be found in these same years. Later, in Amsterdam, the perfection of Rembrandt’s likenesses initially won him the favor of numerous patrons—but the artist soon surpassed their expectations. Transcending traditional modes of presentation, Rembrandt composed his portraits in the same manner in which he had earlier constructed his scenes. The results are visible, for example, in the famous group portrait The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes Tulp from 1632. In the last phase of Rembrandt’s work—when, plagued by financial problems, he had withdrawn into seclusion—it is no longer possible to distinguish between event paintings and portraits. About the Each book in TASCHEN’s Basic Art series

William Turner (1775-1851) was simultaneously a romantic and a realist--and yet he transcended both styles. This book opens up Turner's paintings, demonstrating that he was not simply illustrating nature, but that his pictures speak directly to the eye as nature does itself.

Rembrandt's rise coincided with the blossoming of the Dutch Golden Age, an era of prosperity in the Netherlands. He was encouraged by wealthy patrons, but was above all driven by a profound fascination with people. In this book, we tour some of Rembrandt's key paintings, etchings, and drawings to introduce his techniques, inspirations, and exceptional achievements. From the Baroque Belshazzar's Feast to the world-famous Night Watch we uncover a world of deep, rich tones, masterful draftsmanship, and a remarkable sensitivity for the human condition

Diese Edition umfasst 20 Bände und basiert auf Vorlesungen von Professor Michael Bockemühl. Band 11 widmet sich Salvador Dalí und der Surrealismus, beleuchtet die Unsicherheit der Wahrnehmung und die Instabilität von Realität und Vorstellung. Bockemühl zeigt, wie Dalís Werke die Grenzen des Verstehens herausfordern.

Wie kann Kunst eine treibende Kraft für die Beratung sein oder selbst als Kunst gelten? Solche Fragen erscheinen zunächst abwegig, doch das Kunstkonzept der Unternehmer-Beratung Droege & Comp. beweist, dass es sich hierbei nicht um Utopie handelt, sondern um eine über zehn Jahre entwickelte Erfolgspraxis im Kerngeschäft, die einen erweiterten Beratungsstandard etabliert. In Kunst und Wirtschaft ist die Kraft zur Erneuerung essenziell. Durch gezielten, methodischen Einsatz kann Kunst gewinnbringend in der Unternehmensarbeit genutzt werden, da sie verbindliche Regeln hat, nach denen auch die Wirtschaft gestaltet werden kann. Dabei steht das „Wie“ im Fokus – das „Wie am Was“ der Arbeit. Dieses Buch richtet sich an alle, die unkonventionelle Lösungen in Wirtschaft und Organisation suchen, an Unternehmer, Manager und Künstler, die Kunst zur Bewältigung von Zukunftsfragen einsetzen möchten. Es schlägt eine tragfähige Brücke zwischen Kunst und Beratung, sowohl in der Praxis als auch in der Theorie. Die aufwendig gestaltete Dokumentation mit Praxisbeispielen und kommentierten Bildern weckt Neugier und Freude an den oft unbeachteten Wirkungen der Kunst und regt zum produktiven Sehen an. Ein Muss für Kunstliebhaber und alle, die etwas Besonderes suchen. „Die erste Regel der Kunst: Kunst hat keine Regeln – Kunst stiftet sie.“

Diese Edition, bestehend aus 20 Bänden, basiert auf einer öffentlichen Vorlesungsreihe von Professor Michael Bockemühl aus den 1990er Jahren. In seinen Diavorträgen führt er das Publikum zu den Kunstwerken, ohne Spekulationen über deren Bedeutungen oder abstrakte Theorien über das Sehen anzustellen. Stattdessen zelebriert er ein „Fest für das Auge“ und lenkt die Aufmerksamkeit auf die durch die Kunstwerke eröffneten Anschauungsmöglichkeiten. Die Bände werden von Dr. phil. David Hornemann v. Laer in Zusammenarbeit mit Birgit Bockemühl und Studierenden der Universität Witten/Herdecke herausgegeben. Im siebten Band wird das Verhältnis von Wahrnehmung und Wirklichkeit anhand von Wassily Kandinskys Werk thematisiert. Bockemühl betont, dass das Sehen als geistige Tätigkeit verstanden werden muss. Kandinskys Werke, insbesondere seine freien Kompositionen, zeigen, dass Wahrnehmung nicht nur ein Prozess ist, sondern auch die Widerständigkeit und Unabgeschlossenheit des Sehens offenbart. Das Bild wird als vitale Struktur von Beziehungen der „abstrakten“ Bildelemente beschrieben, die Raum für Erzählungen bietet, jedoch nie vollständig formuliert ist. Diese Ungewissheit fordert den Betrachter auf, in Bewegung zu bleiben und die innere Konstellation des Bildes sowie seinen eigenen Zusammenhang mit der Welt immer wieder neu zu hinterfragen und auszubalancieren.