Nikolaus Pevsner Books

Rubber technology has made tremendous progress during the last decades from a more or less empirical alchemy towards a well-understood science and technology. It results in products with better performance, tailor-made properties, easier processing and has opened new fields of application. This state-of-the-art book on modern rubber technology offers an introduction for beginners as well as a reference source for practitioners. Compact, well structured, a unique source of information, this is the handbook for the rubber industry. Contents include Introduction, Natural Rubber, Synthetic Rubber, Rubber Chemicals and Additives, Rubber Processing, Analysis and Testing of Rubber.

The book serves as a thorough exploration of County Durham, highlighting its rich architectural diversity and captivating history. It delves into the unique aspects of the region, showcasing its landmarks, cultural significance, and notable sites. Readers can expect detailed insights into the county's heritage, making it an essential resource for anyone interested in Northern England's architectural landscape.

The Making of the English Urban Landscape tells the story of our towns and cities and how they came into being over the last two millennia.

Hailed by Frank Whitford, art critic for The Sunday Times, as the best book about this fascinating artist that Ive ever read, this scholarly and thoughtprovoking book, available again after some time out of print, casts a remarkable light on Caspar David Friedrich, the leading German Romantic artist of the 19th century.

Publication of this book, one of six devoted to the buildings of London, marks the completion of the long-awaited revision of the original Pevsner guides and brings the account of the capital’s buildings entirely up to date.This fascinating volume provides a historical introduction to a uniquely diverse area as well as a detailed gazetteer of individual buildings. Along the Thames, relics of a powerful industrial and maritime past remain, and in the East End, Hawksmoor’s Baroque churches still tower over Georgian houses. The contributions of generations of immigrants are reflected in places of worship and cultural centers, while a century of social housing has produced architecture now of historic interest. Further out, medieval churches and country mansions stand among the suburban streets and proud civic buildings.

The book explores the diverse landscapes and architectural heritage of a region that spans from Morecambe Bay to the Pennine mill towns. It highlights historic sites like Lancaster's Georgian buildings, Blackpool's seaside architecture, and notable rural landmarks such as Stonyhurst Jesuit school and Scarisbrick Hall. Each location is detailed in a gazetteer, complemented by a historical overview, maps, over a hundred color photographs, and an illustrated glossary, making it a comprehensive reference and guide for enthusiasts of architecture and local history.

"Everybody tells you Dorset is a house or mansion county, not a church county...Yet when one sets down all one has seen of Dorset churches,..one suddenly realizes how much one has enjoyed", wrote Pevsner at the conclusion of his journey. The county provides many unexpected pleasures in ecclesiastical buildings, from the Norman arches of Wimborne Minster, the Early English solemnity of Milton Abbey, to the splendour of Sherborne and the monuments and furnishings of numerous smaller buildings. Of castles, mansions and houses, Dorset boasts the evocative ruins of Corfe; the splendid Kingston Lacy; mighty Milton Abbey House and a wealth of more modest homes. But the county also possesses fine towns and villages, from the Georgian elegance of Weymouth and Lyme Regis, to the the model estate village of Milton Abbas.

Lincolnshire is rich in medieval churches from Saxon times onwards, many of them still little known. Lincoln Cathedral is justly famous, and second only to Durham in the grandeur of its setting. Monuments to industry include the maltings of Sleaford and the dock tower of Grimsby.

Full of memorable and surprising buildings, Nottinghamshire is a county that rewards close investigation. Country houses such as Wollaton Hall, Bunny Hall and Newstead Abbey are explored, as are the great medieval churches.

Although so close to London this is still a rural area, with quiet country churches with fine monuments, timber-framed farmhouses, and some splendid country houses, of which the most celebrated is Cecil's Jacobean Hatfield House. Also included are St Albans, Hertford, and Hitchin.

The book explores the northern half of West Riding of Yorkshire, showcasing its diverse landscapes and rich history. It contrasts urban centers like Leeds and Bradford, known for their impressive architecture and commercial heritage, with picturesque mill-towns and the rugged beauty of the Yorkshire Dales. The narrative highlights distinctive seventeenth-century gentry homes, significant agricultural regions, and historical landmarks such as Fountains Abbey and the scenic Vale of York, emphasizing the area's cultural and natural treasures.

One of the most widely read boks on European architecture, Nikolaus Pevsner's landmark work was first published in 1942. Through several revisions and updates during Pevsner's lifetime, it continued to be a seminal essay on the subject, and even after his death, it remains as stimulating as it was back in the mid-twentieth century. Sir Nikolaus Pevsner (1902-1983) was one of the twentieth century's most learned and stimulating writers on art and architecture. He established his reputation with Pioneers of Modern Design, though he is probably best known for his celebrated series of guides, The Buildings of England, acknowledged as one of the great achievements of twentieth-century scholarship. He was also founding editor of The Pelican History of Art, the most comprehensive and scholarly history of art ever published in English. A revised and updated full-color edition of the classic study of the history of European architecture

This guide examines the full range and variety of Manchester's buildings old and new, from the medieval buildings of the cathedral and Cheetham's School to the architecture of the city's Victorian heyday, for example. Also included is Trafford's Imperial War Museum in the North. schovat popis

In this essay, the author analyzes the national characteristics of English art. He shows that in order to understand the cultural geography of a nation it is necessary to examine its polarities, since it is only by looking at the seeming contradictions that we can hope to discover what is specifically English in each distinctive style. The author considers the work of four painters, Hogarth, Reynolds, Blake and Constable; that most English of architectural styles, the Perpendicular; and, finally, the picturesque, exemplified by the landscape garden. The geography of art is not a science, and many of the qualities to be seen in English art are impermanent and ambivalent. Yet, the author concludes, as reason and tolerance have gained precedence in the English character, we have "lost that fanaticism or at least that intensity which alone can bring forth the very greatest in art".

One of the oldest libraries in Britain, the Bodleian Library has been in continuous use since its founding in 1602 by Sir Thomas Bodley. This richly illustrated guidebook is perfect for architectural aficionados or those planning a trip. A short introduction that gives the story of the library’s founding is followed by a succinct guide to the buildings found there, from Duke Humfrey’s Library to the Divinity School, Convocation House, Schools Quadrangle, Clarendon Building, and Radcliffe Camera. Bodleian Library Souvenir Guide covers more than four centuries of the library’s most celebrated architecture, taking a look back at the contributions of famous architects like Sir Christopher Wren and Nicholas Hawksmoor. In addition to the buildings themselves, the book illustrates some of the Bodleian’s most exquisite stonemasonry and statuary found there. It also provides translations to the intriguing Latin inscriptions that adorn many of the buildings and mark key moments in the library’s history. The book is brought up-to-date with a description of subsequent renovations, including the addition of the state-of-the-art Weston Library to house the library’s special collections.

Provides information on the men and techniques that have influenced the development of architecture

A book on artists and architects from Britain, USA and Europe and how the best remains today where laid by a small group of people who thought and taught as well as designed.

An updated edition of this classic survey of the origins of twentieth-century ideas in architecture and the applied arts.

The well-loved Lake District makes up only part of a wild and spacious county, a poetic setting for exceptionally rich Celtic, Roman and Anglo-Saxon monuments. Buildings in this work include Naworth and Appleby castle which have been developed into fine houses.

Focusing on the development of art academies, this book explores their origins from the sixteenth century through the mid-twentieth century. It delves into the historical context and cultural influences that shaped these institutions, highlighting their impact on the art world and education. Through this comprehensive examination, readers gain insights into the evolution of artistic training and the role of academies in fostering creativity and innovation in various artistic movements.

The study of building types is a history of institutions, of their changing architectural requirements, and of the way in which these requirements have been met. This work discusses many different types of building, from prisons and hospitals to shops and factories, with regard to these issues.

This first survey of building types ever written remains an essential guide to vital and often overlooked features of the architectural and social inheritance of the West. Here Nikolaus Pevsner shares his immense erudition and keenly discerning eye with readers curious about the ways in which architecture reflects the character of society. He describes twenty types of buildings ranging from the most monumental to the least, from the most ideal to the most utilitarian. More than seven hundred illustrations illuminate the text.

This presentation of Hundertwasser's work in all of its different facets is guided by the artist's own view of himself and his purpose. And, because his work is virtually inseparable from his personal life and political activity, a vivid portrait of the artist takes shapes before the reader's eyes.

Francisco Goya (1746 - 1828) hat mit seinem bahnbrechenden Werk Chiffren für die „Welt als Tollhaus“ geschaffen, die bis heute nichts von ihrer Geltung verloren haben. In seinem prächtig ausgestatten Buch zeichnet Werner Hofmann Leben und Werk des spanischen Malers in einem grandiosen Bogen nach. Folgt man den hellsichtigen Visionen des Malers, so erfüllen Absurdes und Irrationales die Welt. Goya benennt diese Abgründe in ihrer teuflischen Schönheit. Dabei bannt er die barbarischen Schrecknisse und steigert sie formal. In diesem rationalen Gestaltungsakt einer absurden Welt liegt die unerhörte und verstörende Modernität seiner Schöpfungen. Werner Hofmanns Band, der sich als Klassiker etabliert hat, bringt Goyas malerisches und graphisches Werk in brillanten Abbildungen zur Geltung und erklärt, wie Goya zum großem Erneuerer der Kunst um 1800 wurde.

Rayon : Art Editeur : Gallimard Date de parution : 2005 Description : In-4, 192 pages, broché remplié, occasion, très bon état. Envois quotidiens du mardi au samedi. Les commandes sont adressées sous enveloppes bulles. Photos supplémentaires de l'ouvrage sur simple demande. Réponses aux questions dans les 12h00. Librairie Le Piano-Livre. Merci. Référence catalogue 65291. Please let us know if you have any questions. Thanks

Das Schlüsselbild des 19. Jahrhunderts Gustave Courbets monumentales Gemälde „Das Atelier“ ist ein Schlüsselbild des 19. Jahrhunderts. Werner Hofmanns glänzende, elegant geschriebene Studie enträtselt das viel gedeutete Bild, das schon ein Zeitgenosse Courbets „eines der ungewöhnlichsten Werke unserer Zeit“ nannte. Das Gemälde sprengte damals alle bekannten Bildgattungen. Es fasst die Entwicklung der Kunst in der ersten Jahrhunderthälfte zusammen und kündigt an, wohin sich die Kunst in der zweiten Jahrhunderthälfte bewegen sollte. Im Sinne des Realismus versammelt Courbet in einem Atelier die Gesellschaft seiner Zeit, mit ihren Gegensätzen zwischen den Klassen, zwischen dem Glanz der Bürgerwelt und dem Elend des Proletariats. Gleichzeitig aber enthält das Gemälde eine Verkündigung, die aus der düsteren Gegenwart in eine scheinbar konfliktfreie Welt hinausführt. Werner Hofmann zeigt, wie das Bild sowohl inhaltlich als auch durch seine formalen Innovationen die Brüche, die das 19. Jahrhundert kennzeichneten, in einer einzigartigen Verdichtung vor Augen führt.

Bound in the publisher's original illustrated wraps. Very light wear to extremities, otherwise fine. Illustrated throughout in black & white and with 17 color plates. Published for the exhibition of 9 March - 21 May 1978.

"Aufklärung" und "Barbarei" sind die Erfahrungspole, zwischen die Goyas Analyse der Epoche gespannt ist. Die in dem vorliegenden Band versammelten Aufsätze suchen von unterschiedlichen Blickwinkeln her die Reflexe des Umbruchs in Goyas Werk zu beschreiben. Edith Helman hat in grundgelegenden Veröffentlichungen Goyas Beziehungen zur spanischen Aufklärung aufgedeckt und auch Hinweise gegeben auf die Einbrüche der Aufklärung um 1800, deren Spuren in Goyas Werk von den anderen Beiträgen des Bandes verfolgt werden, sei es anhand der Metamorphosen des traditionellen Formen- und Vorstellungsrepertoires in Goyas Werk (W. Hofmann), sei es in einer Deutung der Gesten der Figuren Goyas vor dem Hintergrund des Zusammenbruchs konventionalisierter Gebärden aus der Alten Gesellschaft (M. Warnke). Der Titel des Bandes umschreibt -- mit der Unterschrift von Goyas Capricho 19 -- die These, daß Goya in dem besonderen Zusammenhang der Alten Mächte das allgemeine Fallgesetz gesellschaftlicher Mächte und Normen erfahren und gestaltet hat.

Erstmalig in der Kunstgeschichte erkundet Werner Hofmanns weitsichtiges Buch das Phänomen des Phantastischen als Gegenwelt zur vermeintlichen Wirklichkeit. Die schöpferischen Möglichkeiten zwischen Erfahrung und Imagination bilden die Grundlagen der modernen Kunst. Das Phantastische stellt einen Gegenentwurf zur Norm und zum Bewußten dar, lebt jedoch von Abweichung, Tabubruch und Regelverstoß. In dieser Widersprüchlichkeit verschmelzen Unvereinbares, wobei die Wirklichkeit für das Verständnis unerlässlich ist. Hofmanns Untersuchung legt die Basis für eine Phänomenologie des Phantastischen in den Künsten. Er betrachtet die angeführten Werke nicht als Bestätigung einer vorgefertigten Definition, sondern analysiert sie, um die Erscheinungsweisen der Phantastik zu erschließen. Legendäre Figuren wie Leonardo da Vinci und Hieronymus Bosch haben ganze Welten geschaffen, während Künstler wie Arcimboldo, Piranesi und Goya mit ihren Imaginationen beim Publikum reüssieren. Das 20. Jahrhundert, geprägt von psychologischer Einsicht, eröffnet Künstlern geistige Räume neuer Dimensionen. Magritte, Max Ernst, Paul Klee und Dali sind nur einige der Leitfiguren in der visuellen Debatte um andere Realitäten. Prof. Dr. Werner Hofmann, Gründungsdirektor des Museums des 20. Jahrhunderts in Wien und ehemaliger Direktor der Hamburger Kunsthalle, ist ein einflussreicher Kunsthistoriker und Autor zahlreicher Werke zur Kunstgeschichte.

Broschiert Rowohlt TB-V., Rnb. ordentliches Exemplar, Gebrauchsspuren vor allem am Einband, berieben

Frontmatter -- Inhaltsverzeichnis -- VORWORT -- EINLEITUNG: Der Widerspruch von Aufklärungsidee und sozialer Wirklichkeit als Ausgangstatsache -- 1. TEIL: Die sozialen Ideen in der Entwicklungsepoche des modernen Industriekapitalismus -- 2. TEIL: Der entfaltete Kapitalismus der freien Konkurrenz und der wissenschaftliche Sozialismus -- 3. TEIL: Die Ideen der Sozialbewegung in der Epoche des „organisierten Kapitalismus" -- LITERATURHINWEISE -- Personenregister -- Sachregister -- Backmatter

Nach der Vorlesung von W. Doerr

Frontmatter -- Inhaltsverzeichnis -- Vorwort -- Einleitung: Der Widerspruch Von Aufklärungsidee Und Sozialer Wirklichkeit Als Ausgangstatsache -- 1. Teil: Die sozialen Ideen in der Entwicklungsepoche des modernen Industriekapitalismus -- 2. Teil: Der entfaltete Kapitalismus der freien Konkurrenz und der wissenschaftliche Sozialismus -- 3. Teil: Die Ideen der Sozialbewegung in der Epoche des „organisierten Kapitalismus" -- Literaturhinweise -- Wichtigere Schriften in chronologischer Reihenfolge -- Personenregister -- Sachregister -- Backmatter

Der Kunsthistoriker Werner Hofmann versteht es, auf knappstem Raum die Entwicklungslinien der Malerei von den Wegbereitern der Moderne im 19. Jahrhundert bis hin zu den wichtigsten Strömungen bis Mitte des 20. Jahrhunderts nachzuzeichnen und zu interpretieren. Durch Analysen der Stilrichtungen und durch monographische Darstellungen der Hauptvertreter wird die Frage nach den neuen Erlebnisinhalten, die von der Malerei bewußt gemacht wurden, umfassend interpretiert.

Die Schlange hat keinen guten Ruf. Ihre Klugheit ist mit List gepaart, ihre Gewandtheit mit Heimtücke. So wurde sie in der Kulturgeschichte mal zur Bedrohung, mal zur Beschützerin. In der Kunst tauchte die Schlangenlinie bereits in den Höhlenmalereien der Steinzeit auf und blieb seitdem ein Motiv voller Ambivalenzen, das sich nie zur Ruhe bringen ließ. In seinem letzten Buch verfolgt der große Hamburger Kunsthistoriker Werner Hofmann die Schönheitslinie der Schlange durch die Epochen und legt ihre elementaren, rätselhaften Energien frei. Hofmann zeigt, wie die Schlangenlinie anfänglich der magischen Beschwörung diente und danach von der griechischen Antike bis in die Frühe Neuzeit die Künstler immer wieder anzog. In der Moderne der letzten 250 Jahre aber stieg sie zu einer visuellen Schlüsselfigur auf, zu einer Metapher der Befreiung: Als der alte statische Schönheitsbegriff abdankte, war die große Zeit der Schlangenlinie mit ihrer verwirrenden Dynamik gekommen. Werner Hofmann führt dies an einer eindrucksvollen Fülle von Beispielen vor Augen, die von der abstrakten Kunst über das Kunsthandwerk bis in die populäre Kultur reichen ? von Kandinsky und Klee über den Thonet-Stuhl bis zum heute allgegenwärtigen Yin-Yang-Symbol.

Joannis Avramidis ist ein Protagonist der modernen Plastik, dessen geometrisch strenge Figuren den Menschen als Maß abstrakter Figuration zeigen. Werner Hofmanns Buch erschließt die zeitlosen Gestaltungsprinzipien eines Werks, das aus den Energien des Körperhaften entwickelt wurde. Avramidis, 1922 in Georgien geboren, nutzt geometrische Konstruktionen, um das Immergültige als gesetzmäßige Konstanten im Individuellen darzustellen. Die entstehenden Gebilde folgen keiner Norm, sondern integrieren die Vielfalt der Besonderheiten in Körperformen mit fein nuancierender Struktur. Im Verhältnis der Teile zum Ganzen und der Leitform zu ihren Filiationen entstehen klare, konzentrierte Figuren von souveräner Monumentalität. Der Rhythmus der Strenge ist ein unverwechselbares Kennzeichen, das Avramidis eigen ist und in dem sich Körperlichkeit, Statik, Sinnlichkeit und Distanz vereinen. Hofmann exemplifiziert die Kriterien des Sehens, die diese Werke verlangen, und bindet sie in die Genese ihrer Struktur ein. Die Annäherung über die Zeichnung ist eine wesentliche Voraussetzung für das Verständnis der Skulptur. Das reich und sensibel illustrierte Buch gewährt Zugang zu Werken, deren klassisch beruhigte Kraft in Museen und öffentlichen Plätzen der Moderne verankert ist.

1974, zum 200jährigen Gedenken an das Geburtsjahr von Caspar David Friedrich, schafft Janssen eine Folge von siebzehn, zum Teil grossformatigen Radierungen, die er in der Mappe 'Caspar David Friedrich' zusammenfasst. Es sind vor allem Landschaften und Porträts, die er als Reminiszenz an das grosse Vorbild, aber auch an andere Künstler der Romantik, realisiert: Schroffe Felsengebirge, Figuren in der Landschaft, nahsichtige Darstellungen von Bäumen und romantische Frauenbildnisse. Besonders zu erwähnen sind auch ein Porträt Caspar David Friedrichs und ein Selbstporträt Horst Janssens. Auf letzterem brilliert Janssen mit einem dreistrophigen Gedicht über Friedrich und Philipp Otto Runge, das zunächst heiter und vordergründig daherkommt, aber gleichzeitig tiefer schürfende Überlegungen formuliert, die von seiner Auseinandersetzung mit der Romantik zeugen. Dieser Radierzyklus steht im Mittelpunkt der Ausstellung 'Janssen und die Romantiker'. Exhibition: Horst Janssen Museum (27.3-26.6.2011).

Streifzüge durch 400 Jahre Karikaturgeschichte Ein lehrreicher wie unterhaltsamer Spaziergang durch die Spiegelkabinette der Karikaturgeschichte Werner Hofmann, Kunsthistoriker von internationalem Ruf, stellt allgemeine Themenbereiche der Karikatur und wesentliche Aspekte der Bildsatire vor. Er geht den Voraussetzungen, Anfängen und physiognomischen Wurzeln der Karikatur nach, zeigt die Unterwanderung der Kunst durch die Karikatur auf, stellt unterschiedliche Typen von Bildern vor und erörtert die grundsätzlichen Fragen: Was ist der Mensch? Was ist die Kunst? Er führt uns in eine Welt der Illusion, der Verzerrung, der Täuschung, der Mehrdeutigkeit, der Rätsel. Und er zeigt uns dabei, welche allgemeinen Themen die Karikatur als Unterhaltungsmedium beschäftigt und worin Bildsatire wesentlich besteht. Das Buch enthält zahlreiche Abbildungen mit herausragenden Karikaturen und Objekten, u. a. aus der renommierten Sammlung Werner Nekes, die Sie staunenlassen werden. Sie öffnen Bereiche, wo Überraschungen und Ungewissheiten auf Sie warten, sie öffnen Ihnen die Augen – Sie müssen ihnen ja nicht gleich trauen.

Gustav Klimts Malerei erfreut sich einer ungeminderten Beliebtheit, die sich freilich völlig ahistorisch mit der dekorativen Postertauglichkeit seiner goldglänzenden Jugendstilbilder begnügt. Demgegenüber stellt der Kunsthistoriker Werner Hofmann Klimts Werk nicht nur in den Kontext der zeitgenössischen österreichischen Kunst, sondern begreift es als historisches Zeugnis der untergehenden Monarchie. Der Jugendstil war, so Hofmanns These, der letzte – scheiternde – Versuch, den Bruch zwischen Kunst- und Gesellschaftsformen mithilfe einer elitären Kunstdoktrin zu heilen. Hofmanns klassisches Buch, das hier in einer Neuauflage erscheint, ist nicht nur eine der wichtigsten Studien zu Gustav Klimt, sondern liefert auch ein lebendiges Panorama der Wiener Jahrhundertwende (Adolf Loos, Karl Kraus, Hugo von Hofmannsthal, Alois Riegl usw.). Die Neuauflage, für die Hofmann eine rückblickende Nachbemerkung geschrieben hat, erscheint anlässlich des 100. Jubiläums der Wiener Kunstschau, an die auch die Ausstellung 'Gustav Klimt und die Kunstschau 1908' im Belvedere (Wien, 1. Oktober 2008 bis 18. Januar 2009) erinnert.

Werner Hofmann ermittelt im exzentrischen, anomalen, grotesken Charakter der Karikatur einen der grundlegenden Motoren der Entwicklung der Kunstgeschichte. Für ihn ist die Karikatur eine Gegen-Kunst. Als Gegenbewegung der schöpferischen Phantasie gegen das Ideal-Schöne schafft sie 'perfetta deformità' die vollendete Missgestalt und 'beansprucht für sich die Freiheit, die Welt nach dem Hässlichen umzubilden'. Als Werner Hofmann 1957 erstmals die Karikatur als Thema der Kunstgeschichte aufgriff, schuf er ein so fundiertes wie aktuelles und bis heute gültiges Werk; erst kürzlich wurde von ihm eine spanische und italienische Ausgabe veröffentlicht, der auch die hier vorgelegte Ausgabe folgt. 'Die Karikatur'enthält 83 kommentierte Tafeln mit Karikaturen von Leonardo da Vinci, Pieter Bruegel, Giuseppe Arcimboldo, Agostino Carracci, William Hogarth, Eugène Delacroix, Grandville, Goya, Honoré Daumier, Victor Hugo, Toulouse-Lautrec, Wilhelm Busch, Ernst Barlach, George Grosz, Paul Klee, Pablo Picasso und vielen anderen.

Dieses Buch versammelt 16 zentrale Essays von Werner Hofmann, die das Leitthema „Die gespaltene Moderne“ behandeln. Hofmann weist auf die Brüche und Ambivalenzen in entscheidenden Werken der Moderne hin und verknüpft sie mit dem jeweiligen geistesgeschichtlichen Kontext. Sein unvoreingenommener Blick eröffnet neue Perspektiven auf die Kunst. Die Moderne wird nicht als lineares Projekt verstanden, sondern als ein Geschehen voller Ambivalenzen und Selbstwidersprüche. Führende Köpfe der Malerei des 20. Jahrhunderts, wie Picasso und Duchamp, dringen immer wieder in Niemandsländer vor. Vor Kandinskys Entdeckung der neuen Harmonie thematisierten bereits Burckhardt, Nietzsche und Warburg die Auflösung des traditionellen Kunstbegriffs und die Rückkehr zu den magischen Ursprüngen der Kunst. Diese Dynamik prägt die Vielseitigkeit der modernen Kunst, die verschiedene Deutungen hervorbringt. Hofmann bezieht sich auf die Thesen dreier bedeutender Kunsthistoriker: Julius von Schlosser, Hans Sedlmayr und Ernst Gombrich, die an einem erweiterten, fragenden Kunstbegriff arbeiteten. Der große Aufsatz über „Das gespaltene Pathos der Moderne“ legt diese Öffnung dar und bietet einen Ausblick auf die „ungewissen Künste“. Es wird kein Ende angekündigt, sondern ein Nebeneinander von Heilserwartungen und Kunsterwartungen, Ausstellungskünsten und Zivilisationsutopien, Ironie und Magie.