Gottfried Boehm Books

Weird Narrations in Marvellous Colours Neo Rauch is the most important painter of his generation at present times. This becomes apparent not only by the numerous tributes in recent years, but also and particularly by the international presence of his paintings and the ongoing discussion about his works. On the occasion of the retrospective at Kunstmuseum Wolfsburg now this first overview of Rauch’s fascinating work is published. In the pictures of the painter, born in 1960 in Leipzig, peculiar figures from past times appear. They get together in surreal sceneries and interiors to tell enigmatic stories about the present. Between cartoon and historic painting the artist develops with a distinctive colouring dreamlike sequences, which seem to be timeless and historically important at the same time. The exhibition and the catalogue give a comprehensive insight into the work of this painter from Leipzig from 1993 until today. The publication goes into the questions, which emerge from this curious cosmos: What are the pictures about? Which roles are played in them? What is the meaning of the different colours? With an introduction by Markus Brüderlin and articles by Harald Kunde, Gottfried Boehm, Holger Broeker, Wolfgang Büscher et al. - international first retrospective - elaborate explanation of the works - high quality illustrations

From idolatry to iconoclasm: exploring passionate reactions to imagery across history Images have always elicited passionate responses, triggering reactions of veneration as well as destruction, of idolatry as well as iconoclasm. But what is the origin of their unique power? German art historian Gottfried Boehm (born 1942) seeks to answer this question, tracing the affective potential of images across Western history.

No other subject inspired Henri Matisse with such passion throughout his career as the female figure in interior settings. This is the most comprehensive publication to cover the topic of women in the work of the great regenerator of European painting, and in so doing, it covers the full spectrum of Matisse's creative evolution, from the small, somber, early pictures to the masterly compositions of his Fauvist phase, the intimate pictorial inventions of the Nice period, and finally the luminous paper cutouts of his late work. Many of the interiors show women reading, sleeping or daydreaming, passive figures enveloped in Oriental fabrics, costumed as odalisques or reclining on chaise longues. Additional motifs include the artist and his model, the artist's studio, the portrait, the still-life, and the view from a window. Figure Color Space offers an in-depth survey of this important subject in Matisse's work, through which he developed and continually explored his rich and imaginative repertoire of forms and colors. Along with paintings from all periods, it includes sculptures, drawings, cutouts and prints, as well as historical studio photographs by Cartier-Bresson, Brassae, Hal ne Adant and others. A richly illustrated biography completes this exquisite presentation.

Ellsworth Kelly's oeuvre can perhaps best be summed up by a phrase from Gottfried Boehm: "In between: this is the shortest formula of his aesthetics." With abstract expressionism at its peak, and based on the traditions of the abstract avant-garde in dialogue with color field painting, Kelly developed a vocabulary that left panel painting behind. In a conscious questioning of the conditions that underlie perception, he not only explores the relationships of painting and wall, sculpture and space, but also, and in particular, the relationship between viewer and work. A selection of more than 40 pieces of art from the past five decades, most of them from the collection of the artist, this book offers an expert investigation into the artistic development of one of the leading exponents of international postwar art.

Mark Rothkos meditative Abstraktionen sind längst Synonyme des Abstrakten Expressionismus. Auáerhalb der USA in öffentlichen Sammlungen nur spärlich vertreten, ist eine Retrospektive in Deutschland ueberfällig.

In the history of 20th-century figurative art, the Italian painter Giorgio Morandi stands out as an individual artist, capturing the simple beauty of light on forms through deft brushwork and subtle coloration. This volume brings together some 110 of his most important works.

Wer nach dem Bild fragt, fragt nach Bildern, einer unübersehbaren Vielzahl. Sie läßt es fast aussichtslos erscheinen, einen gangbaren Weg der Debatte zu finden. Welche Bilder sind gemeint? Gemalte, gedachte, geträumte? Gemälde, Metaphern, Gesten? Spiegel, Mimikry, Echo? Verbinden diese Bilder Gemeinsamkeiten? Worin könnten sie bestehen? Welche wissenschaftlichen Disziplinen scheinen geeignet, an diesem Diskurs teilzunehmen? Dieser Band will einen Überblick geben, der die Klärung von Grundlagen mit Gesichtspunkten der Nutzanwendung verbindet.

Wieder lieferbar das Standardwerk von Gottfried Boehm Dieses weit über den Bereich der Kunstgeschichte hinausweisende Buch reagiert auf unsere kulturellen und gesellschaftlichen Umwälzungen. Die digitale Revolution hat eine wahre Bilderflut ausgelöst, die zum ersten Mal dazu führt, Bildern in der täglichen Kommunikation eine tragende Rolle zu geben. Heute vertrauen auch die Wissenschaftler ihre offenen Fragen bildgebenden Verfahren an. Damit ist das Thema des Bildes in einem großen, Kunst, Wissenschaft und Gesellschaft umfassenden Sinn ins Zentrum gerückt. Mit ihm verschieben sich auch die Grenzen zum Symbolsystem der Sprache.

Der radikale Avantgardist Franz Fedier gehört zu den wichtigen Vertretern der abstrakten Schweizer Malerei. Doch er war nicht nur praktizierender Künstler, sondern auch theoretischer Denker. Sein ganzes Leben lang, besonders aber in seinen späten Jahren, schrieb er seine profunden Gedanken zu Kunst und Künstlertum nieder. 0Der thematischen Breite der Interviews, Reflexionen und Analysen entspricht der formale Charakter seiner Texte: Sie reichen von kunsttheoretischen Reflexionen über Auseinandersetzungen mit dem Werk von Vorgängern und Zeitgenossen bis hin zu Texten von fast lyrischem Charakter durchaus auch mit Momenten des Humoristischen. Zu Fediers 100. Geburtstag haben die Herausgeber dieser Publikation aus der Vielzahl seiner Schriften eine repräsentative Auswahl getroffen, denen sie Abbildungen seiner Werke aus allen ku·nstlerischen Schaffensphasen gegenüberstellen

Konstruktionen Sichtbarkeiten: Fragen der Herstellung, Bedeutung und Funktion von Bildern und Visualisierungsprozessen stehen im Mittelpunkt dieses Bandes. Beiträge aus unterschiedlichen Wissens- und Forschungsbereichen thematisieren in diesem Zusammenhang insbesondere Fragen der Wahrnehmung und des Erkennens, der Realitäts- und der Existenzvergewisserung. Sowohl geistes- als auch naturwissenschaftliche Perspektiven und Positionen werden vorgestellt und verhandelt. Der Band vesammelt eigensinnige Positionen und internationale Diskussionsbeiträge zu den Bereichen Gestaltung und Wahrnehmung, Ästhetik und Kulturtheorie, Naturgeschichte und Philosophie von Gottfried Boehm, Elena Esposito, Alois M. Haas, Alois Hahn, Andreas Huyssen, Karin Knorr Cetina, Joachim Krug, Nabil Mahdaoui, Ursula Panhans-Bühler, Christoph Rehmann-Sutter, Georg Christoph Tholen, Gianni Vattimo, Michael Wetzel.

Die Welt, hat ein Philosoph geschrieben, sei alles, was der Fall ist. Aber um dies feststellen zu können, bedarf es eines archimedischen Punkts. In einer Welt der schwierigen Fälle und der unsicheren Dinge heißt dieser Punkt: das Original. Noch nie waren wir so sehr auf Originale angewiesen wie heute, noch nie waren wir so süchtig danach. Das Original sagt uns, wann etwas begann und wie etwas Neues in die Welt kam. Es spendet Legitimität, setzt Werte fest, sichert künstlerische Originalität und kulturelle Ursprünge. Es ist die Antwort auf die Frage, warum etwas sei und nicht nichts: Es verhindert, dass uns die Welt entgleitet, die Kopien überhand nehmen, dass Fälschungen uns blenden. Was täten wir, wenn es morgen kein Original mehr gäbe?

Gottfried Boehm zeigt an der Bilderfolge der Montagne Sainte-Victoire aus dem Spätwerk Cezannes auf, wie sich der Betrachter diese Malerei anschaulich vertraut machen kann, worin die grundsätzliche Bedeutung von Cezannes Deutung der Wirklichkeit besteht.

Der Künstler Max Weiler (1910-2001) hinterließ nicht nur ein vielgestaltiges malerisches Œuvre, sondern zählt auch zu den bedeutendsten und produktivsten europäischen Zeichnern seiner Generation. In mehr als siebzig Jahren Schaffenstätigkeit entstand ein auf knapp 3.500 Arbeiten geschätztes zeichnerisches Werk, das sich in so gut wie allen Formaten und Techniken ausdrückt und in dem der Künstler seinen individuellen Kosmos – die Verschränkung von innerer und äußerer Natur – in vielfältigen Ausdrucksformen realisiert. Die Publikation gibt einen konzisen Überblick über das zeichnerische Schaffen Max Weilers und stellt die Arbeiten in ihrer Entwicklung und Komplexität wie auch in ihrem Verhältnis zur Malerei dar. Grenzüberschreitungen und Verschmelzungen der Gattungen kennzeichnen den wechselseitigen Austausch, der mit ausgewählten Gemälden beleuchtet wird. Ausstellung: Albertina, Wien 10.6.–16.10.2011

Najważniejszymi zagadnieniami uprawianej przez Gottfrieda Boehma teorii obrazu są widzenie, patrzenie, przyglądanie się i próba zwerbalizowania tych aktów ponad sztywnymi dyscyplinarnymi podziałami nauki. Podstawowy problem, który zajmuje autora, to w jaki sposób obrazy generują odmienny od językowego, czyli wizualny (ikoniczny) sens. Artykuły zamieszczone w zbiorze ukazują ewolucję myśli Boehma od „hermeneutyki obrazu” (z roku 1978) do prac najnowszych, reprezentujących szerzej rozumianą „naukę o obrazie”. Dokonany specjalnie na potrzeby polskiego rynku wydawniczego wybór tekstów ma przybliżyć czytelnikowi niemieckojęzyczną teorię obrazowości, dotąd niemal całkowicie nieobecną w naszym kraju z powodu braku przekładów. Do antologii została dołączona płyta DVD. Zawiera ona wywiad z Gottfriedem Boehmem, w którym autor wyjaśnia zasadnicze dla jego teorii problemy i terminy oraz interpretuje wybrane dzieła pochodzące ze zbiorów Muzeum Sztuki w Bazylei.

Diese erste Monographie zu Werk und Person Max Weilers verfolgt dessen Entwicklung von den zwanziger Jahren bis zum Ende des 20. Jahrhunderts. Die Kunst dieses Malers verkörpert eine spezifisch österreichische Form der internationalen Moderne. Sie spricht eine eigene Sprache und reagiert doch sensibel auf die Veränderungen der Zeit. Im Zentrum aber steht die Beobachtung der Natur. Weiler sieht sie als ein permanentes Werden, als eine kosmische Ordnung, der er in alternativen Bildformen, jenseits der Landschaft, Ausdruck verleiht. Das Geistige in der Natur – mit dieser Formel lässt sich das Zentrum seiner Arbeit beschreiben. Weiler ist inzwischen zu einem Klassiker der Moderne geworden und zu einem populären noch dazu. Zahlreiche Ausstellungen haben meist Ausschnitte seiner Arbeit vorgestellt. In diesem Buch gibt es erstmals einen Überblick, der alle Facetten seiner Arbeit, durch die Jahrzehnte, umfasst: die Naturbilder, die öffentlichen Werke, die Bildnisse, die frühen Kultbilder, Zeichnungen und seine unpublizierten Aufzeichnungen in den Tag- und Nachtheften.

Venedig entwickelte sich im 19. Jahrhundert zu einem magischen 'Laboratorium der Wahrnehmung', geprägt von einem einzigartigen Zusammenspiel von Licht, Wasser und Atmosphäre. Claude Monet, der sich 1908 in der Lagunenstadt aufhielt, ließ sich zu seinem berühmten Venedig-Zyklus inspirieren. Diese venezianischen Gemälde markieren einen Wendepunkt in Monets Werk und verdeutlichen, dass Venedig einen bedeutenden, bisher wenig gewürdigten Beitrag zur Emanzipation der Malerei an der Schwelle zur Moderne geleistet hat. Der reich illustrierte Band widmet sich umfassend dem Bild der Lagunenstadt in der europäischen und amerikanischen Malerei des 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Im Mittelpunkt steht Monets Venedig-Zyklus, ergänzt durch Meisterwerke von Künstlern wie Canaletto, J. M. William Turner und Paul Signac. Die vorgestellten Künstler umfassen unter anderem Francesco Guardi, James McNeill Whistler, John Singer Sargent, Anders Zorn, Edouard Manet und Pierre-Auguste Renoir. Eine begleitende Ausstellung fand in der Fondation Beyeler, Riehen/Basel, vom 28.9.2008 bis 25.1.2009 statt. Erhältlich ist auch die Reihe Kunst zum Lesen, die Briefe von Alice und Claude Monet aus Venedig umfasst.

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